Мастер класс: Что рисовать?

Н. В. Коровин.

"Бульвар Капуцинок"

С. Яценко (Художник с нуля. Теория и практика)
Не нужно думать, что вначале вы научитесь рисовать, изучите технику, живописные приемы, а затем, назвавшись художником, начнете писать картины, участвовать на выставках и зарабатывать этим большие деньги. Были у меня взрослые ученики, которые задавали мне такие вопросы: «Когда я стану художником? Я уже художник? Сколько мне нужно учиться, чтобы стать художником? Сколько стоит моя картина?»

Если и вы задаете себе подобные вопросы, задумайтесь, действительно ли вам это нужно? Действительно ли это потребность вашей души? Хладнокровным расчетом здесь не возмешь. Нужно почувствовать в себе художника как необходимость, как неизбежность и начать рисовать то, что вы хотите, не задумываясь о том, художник вы или нет, умеете ли вы рисовать или не умеете.
Для взрослого человека нет времени на традиционное обучение. Если его нет, значит придется идти другим путем. А все, что не успели узнать и чему не успели научиться, нужно будет постигать попутно.
Картина начинается с идеи. Приготовьте как по рецепту все, что вам необдходимо для ее создания, начиная от того, что вы хотите нарисовать, кончая покупкой красок и оборудованием рабочего места, и действуйте.
Идея может прийти литературная, то есть какой-то сюжет, о котором вы хотели бы рассказать, а может быть и цветовая. Бывает такое, что вас поразили краски, сочетание цвета и вам без разницы что написать, важно использовать ту гамму цветов, которая вас волнует.
Иногда даже выполнение какого-то упражнения приводит к изумительному результату, достойному того, чтобы этим любовались не только вы. Если нет идеи, но очень хочется что-то сделать на холсте, делайте упражнения, но делайте их с любовью и желанием разобраться в том, о чем это упражнение. Даже обычные эксперименты с цветом, с красками и фактурой могут быть интересными, могут выглядеть как самостоятельные произведения искусства.
Художники прошлого века не могли себе позволить заниматься игрой с красками, следовать своим цветовым предпочтениям, делать то, что делал Полок, Миро, или Белошапкина. Они шли от литературного содержания. «Вознесение», «Снятие с креста», «Орфей и Эвридика», сцены коронаций, битв и триумфов. Мы же сегодня можем наслаждаться не только тем, что мы рисуем (пишем) но и тем, как мы это делаем и даже чем.
Мы можем позволить себе экспериментировать в гораздо более широком диапазоне, чем это делали художники прошлых веков. Мы можем любоваться не только цветом, но и фактурой, специальными приемами наложения краски, мы знаем, что живопись может существовать сама по себе, без литературной подоплеки. То есть картина сегодняшнего дня - это нечно совершенно другое, чем то, что делали во времена Караваджо, Рембрандта или Брюлова.
Стоя перед чистым холстом, вы невольно испытываете какой-то трепет. У художников это было всегда и, наверное, всегда будет. Переступите этот порог и начните что-то делать на холсте. Я называю это - «жить на холсте». Например, вам очень нравятся картитны Моне. Возьмите его «рецепт» и пробуйте делать что-то похожее на его картины. Выучите его палитру как букварь и творите по его схеме. Если вам нравится колорит Гогена, присмотритесь поближе к его зеленоватости и золотистости, выучите наизусть его приемы в цвете и композиции и попробуйте скопировать его палитру. Все мы учимся друг у друга и не нужно пытаться быть оригинальным. В конечном счете, вы никогда не сделаете так, как Моне, Гоген или Крымов. Вы сделаете свое, а великие имена будут вашими хорошими учителями.
В отношении выбора темы для картины - не нужно хватать звезд с неба. Начните с простых идей, простых форм и простых цветов. Я многократно был свидетелем того, как мои ученики, трудясь над очередной картиной, пытаются вложить в нее все, что они знают и умеют. Не нужно этого делать. Оставьте силы на вторую, третью, четвертую картину. Говорите небольшими порциями. Пусть каждая картина имеет только одно «слово» или «предложение». Не нужно рассказывать длинные истории. В каждой картине должна быть одна главная мысль, все остальное ей подчинено. Главное и подчиненное - это основной принцип в изобразительном искусстве.
Если вы чувствуете себя сильным для написания предметной картины или способны замахнуться на жанр, сохраните и здесь цельность и односложность. Это сработает сильнее, чем если вы будете пытаться встроить в один холст весь свой жизненный опыт или все свое знание.
И я настоятельно прошу вас изучать природу. Она научит вас красивому в искусстве. Современное искусство насыщено безобразным и уродливым. Подражание «новым веяниям» приводят к упадку и деградации. Пусть лучше на ваших картинах будут наивные, по-детски нарисованные человечки и домики, чем дикие метаморфозы - скрещивание паука с рыбой или человека с крокодилом. Не нужно вытаскивать на поверхность низменное и уродливое и бравировать этим. Но здесь я бессилен что-то сделать. Каждый выбирает в искусстве свой путь. Какой бы путь вы ни выбрали, он будет правильным. Правильным для вас.
Еще один совет. Сегодня, всвязи с широким распространением цифровой фотографии, многие художники поддаются соблазну ставить во главу угла своего творчества фотографию. Запомните, копировать фотографии под предлогом того, что вы учитесь - это великое зло. Нельзя срисовывать с фотографии. Вернее, это должно прозвучать по-другому - нельзя копировать фотографии! Почему? Я попытаюсь это объяснить.
Формальный перенос изображения с фотографии на холст ничему вас не научит. Фотографию можно использовать лишь тогда, когда вы научитесь видеть в ней то, что художник учится видеть в натуре - конструкцию (если говорить о рисунке), цвет и тон (если говорить о живописи). Слепое копирование контуров и подбирание цвета по фотографии будет вас путать и ни к чему хорошему не приведет. Если говорить о рисунке, то фотография не даст вам понимания того, как устроен тот или иной предмет. Без понимания того, что вы делаете, ваша живопись превратится в бездумное копирование темных и светлых пятен, подкрашенных тем или иным цветом. И не дай Бог, если фотография окажется не качественной. В этом случае вся ваша «живопись» обернется для вас мукой и большим испытанием.
Другое дело, когда объектом копирования служат работы профессиональных художников. Копирование чужих работ для самообразования - очень даже отличный урок. Копировать нужно осмысленно и стараться приблизиться и работать именно в той технике, в которой автор исходника создавал свою работу. Нужно понимать и анализировать каждый участок копируемой работы. И снова повторюсь - в живописи очень важно понимание того, что ты делаешь, важно осмысленное действие.
Если вы копируете Коровина, старайтесь не делать случайных, псевдо-свободных мазков. Постарайтесь понять его смелость и его свободу, неслучайность его свободных мазков. Если вы учитесь, копируя Климта, всмотритесь в то, как он пишет тело. Разберите подетально каждый сантиметр его картины и поймите вначале, почему тела его женщин написаны пятнами из желтоватых и фиолетоватых мазков. Если вам нравится фотореализм, то и к нему надо идти от простого к сложному, через анатомию и анализ формы, но никак не через бездумное заглаживание и копирование того, что на фотографии. Если вы не хотите кого-то копировать и считаете это ниже своего достоинства, вы можете сразу, прямо сейчас создать свое произведение искусства. Не нужно бояться своих амбиций. Вы можете налить и размазать краску интуитивно, по желанию. Да, представьте, можно сделать и так.
Как-то я зашел в один хорошо меблированный дом и увидел на стене немаленького размера картину. На ней были какие-то зелено-сине-желтые красочные разводы, кое где красные всполыхи и подтеки. Я спросил у хозяйки: «Интересная картина. Чьих кистей?» Она улыбнулась и ответила: «Это я сама сделала. Мы купили вот эту мебель, и мне нужно было какое-то цветовое пятно на эту большую стену. Я пошла в магазин, купила нужного размера холст, краски и вот... сделала».
Она счастливо улыбалась, видя в моих глазах явное изумление и одобрение. Я поинтересовался рисовала ли она раньше. «Нет, никогда» - ответила она. С тех пор я начал по-другому воспринимать то, чем сам занимаюсь всю жизнь. Это в какой-то мере перевернуло мои взгляды на творчество и даже на саму живопись. Простой, детский подход этой женщины к созданию картины научил меня многому.
Когда вы хотите сделать что-то подобное, вам не нужно уметь рисовать. Единственное, что вам нужно,это соблюсти некоторые правила составления цветов, понять, какие краски и какие цвета вы можете для этого использовать.
Не выходя за пределы этой главы, могу дать некоторые рекомендации. Первое - закрасьте холст цветом, который вы хотите видеть доминирующим. Это называется - имприматура. При желании создать картину в зеленых тонах, покройте холст зеленоватым цветом. Пишите на белом только в том случае, если это является вашей задумкой. И второе, исклоючите из вашей палитры какой-то один цвет. Идите обратным путем - не включайте цвета в вашу палитру, а исключайте. Например исключите из вашей палитры красный цвет. Или синий. Или желтый. Это сделает вашу картину более сдержанной и цельной в колорите.
И еще один совет. Как определить гамму для вашего произведения искусства? Очень просто. Найдите чью-либо картину с ярко выраженным колоритом, которая отвечала бы вашему интересу. Например, вы без ума от картины Коровина «Бульвар Капуцинок». Возьмите в основу его палитру и симпровизируйте «каляки-маляки» в этом колорите. Коричневатые тона переходящие то в пользу теплого (красноватого), то в пользу холодного (зеленоватого) и где-то красновато-желтый смелый мазок.
Очень красиво может получиться, если во всю эту красочную какафонию ввести геомметрию. Рисовать квадраты, треугольники и кружочки, я думаю, ни для кого не составит большого труда. Как составлять композицию из простых форм, по каким принципам и по каким канонам, мы будем говорить в разделе «Практика». Еще раз хочу сказать, не бойтесь практиковать и экспериментировать.